gov-civil-vilareal.ptIngen prins kreves: Moana og utviklingen av Disney Princess
>ADVARSEL: Dette innlegget inneholder spoilere for Moana . Det kan også føre til at du begynner å synge Disney -sanger resten av dagen. Fortsett på egen risiko.
I 1937 skapte Disney historie da de ga ut Snøhvit og de syv dvergene , den første animasjonsfilmen noensinne med lengde. Denne filmen startet også Disney mot sin nesten 80 år lange arv av det som vanligvis kalles Disney Princess-filmer. I løpet av de tiårene som har gått, har Disney gjort et stort skuespill av disse prinsessefilmene. Men selv om mange kan avvise dem som enkle barnehistorier - eller verre, som useriøse fantasifly som bare er egnet for unge jenter - har utviklingen av disse filmene kartlagt utviklingen ikke bare av selve animasjonen, men av samfunnets ide om en kvinnelig helt og hvordan hun skiller seg fra sine mannlige kolleger.
Det er 11 offisielle Disney Princess -filmer, med nylige tillegg Frossen og Moana forventes til slutt å bli med i kanonen. I forbindelse med dette stykket skal vi operere på et bredere syn på 'prinsesse', fordi denne debatten i stor grad er vilkårlig og en større utvalgsstørrelse gir oss et mer detaljert blikk på utviklingen av disse karakterene.
Som Maui sa: 'Du har på deg en kjole og har et dyrekammerat, du er en prinsesse.'
tegn manifestasjon er nær
En dag kommer prinsen min
Vi begynner selvfølgelig i begynnelsen med Disneys tidligste prinsesser: Snøhvit, Askepott og Aurora. Disse tre kvinnene satte tonen for sjangeren og har blitt undersøkt intensivt av feministiske kritikere. Disse tidlige filmene led stort sett fra tiden da de ble opprettet og deres strenge overholdelse av kildematerialet, blant andre bekymringer.
Snøhvit , spesielt, har blitt kjent som Disney-filmen med det mest antifeministiske perspektivet. Snow White selv tilbringer mesteparten av filmen etter en prins som ennå ikke har kommet og tjent som husholderske for syv voksne menn mens de er på jobb. Dette er ikke overraskende, ettersom filmen går foran perioden i amerikansk kultur som så kvinner bli med i arbeidsstyrken under andre verdenskrig. Ettersom det også var den første filmen i lengden fra selskapet, har Disney fastholdt at filmskaperne fokuserte på å erobre den bragden, og ikke sørge for at hovedpersonen hadde en gjennomarbeidet og progressiv historie.
Denne begrunnelsen unnskylder egentlig ikke de to neste prinsessene, som begge Askepott og Tornerose skildret kvinner som var ofre for omstendighetene og til slutt ble reddet av sprengende prinser. Aurora er sannsynligvis den verste lovbryteren, siden hun har veldig lite å gjøre med noen del av historien hennes. Faktisk tilbringer hun en stor del av filmen sovende og resten som et objekt som kjempes om av de krigende verdenene til menn og feer. Det ville vært interessant hvis det ikke var så fornærmende.
Ingen av disse tre kvinnene har en hånd i sin egen redning; Som jeg allerede har påpekt, tillater menn å gjøre den nødvendige frelser. Denne redningen er nesten alltid også voldelig, med unntak av Askepottens stemor, som i stedet for å bli knust av en stein eller stukket av et sverd mens han er i form av en mor#$%og en drage, bare blir ydmyket og avskåret av dommen klasse - en skjebne hun sannsynligvis anser som verre enn døden.
Faktisk er skurken i alle disse filmene en langt mer interessant karakter. Selv om vi ikke får mye informasjon eller bakgrunnshistorie rundt dem (ikke før senere gjentatte forestillinger om disse historiene) Snøhvit sin onde dronning, Askepottens stemor og Maleficient representerer alle kvinner som er sultne på makt og villige til å strekke seg langt for å oppnå eller beholde den. Hvis de ikke var helt stygge og helvete for ødeleggelsen av andre kvinner for denne makten, kunne de være feministiske helter.
Renessansen
Ting begynte å endre seg med advent av Disney -renessansen som begynte på slutten av 1980 -tallet. Etter mer enn 20 år uten en prinsessefilm i sikte, vendte selskapet tilbake til sine røtter med noen store oppgraderinger. I 1989, Den lille havfrue svømte inn på kinoene og tok med seg en ny heltinne.
Ariel var den første av Disney -prinsessene som fokuserte på sin egen personlige uavhengighet. Hun ville ha et liv på land og tok saken i egne hender for å nå det målet. Dessverre for Ariel er det første trosset stort sett der progressivismen hennes ender. Hun tilbringer resten av filmen ute av stand til å snakke, og må stole på utseendet hennes og sære adorableness for å få henne gjennom. På slutten av filmen er det prins Eric som til slutt beseirer skurken, og stakk Ursula med en båt - som du gjør.
Ariel var bare den første i den nye serien med Disney Princesses. De som fulgte ville gjøre store fremskritt både i uavhengigheten til heltinnen deres og måten de taklet og beseiret skurkene sine.
Belle (fra 1991 -tallet Skjønnheten og udyret ) og Pocahontas (tittelheltinnen i filmen fra 1995), for eksempel, var begge uavhengige tenkere i lokalsamfunnene sine, langt fra ofrene for omstendighetene på 50 -tallet. Begge kvinnene kjempet mot tradisjonelle forventninger til sine kulturer og ble venner med menn som deres folk så på som en trussel. Belle kjempet mot sosiale og kjønnsnormer, leste bøker og drømte om eventyr der andre jenter i landsbyen hennes bare søkte ekteskap og familie. Pocahontas - for alle sine historiske unøyaktigheter - representerte et sinn og ånd som er åpen for nye mennesker, erfaringer og tankeskoler.
Men mens både Belle og Pocahontas var åpne og ambisiøse og snille, holdt de seg også til en streng moral, en som til slutt satte dem i strid med flertallet og førte til hovedkonfrontasjonen. I begge filmene, mens det er en enestående skurk i Gaston og guvernør Ratcliffe, er den egentlige skurken konflikten mellom status quo og den andre. Ved å trosse den status quo, står Belle og Pocahontas begge med sin egen moralske kode om tingene de tilsynelatende ble oppdratt til å tro. Her er det selvfølgelig også der de er forskjellige. Belles tross for samfunnets tro forårsaker den siste - og voldelige - konfrontasjonen. Pocahontas forårsaker i mellomtiden både konfrontasjonen mellom hennes folk og de engelske nybyggerne og avslutter den.
Moderne prinsesser for en moderne tidsalder
Pocahontas fredelige løsning på filmens konflikt var den første i sitt slag, men absolutt ikke den siste. Faktisk, med det bemerkelsesverdige unntaket av Mulan (1998), har trenden mot at Disney -prinsesser søker å redde eller forløse skurken sin - eller på annen måte fredelig redde en annen viktig karakter - blitt et vanlig tema blant dette bestemte filmmerket. Det er et tema som står i sterk kontrast til de voldelige midlene til de tidligere filmene og deres prinsessesparende helter.
Den moderne tidsalderen for Disney -filmer begynte i 2009 med utgivelsen av Prinsessen og frosken . Selv om det igjen er en teknisk skurk, har den virkelige konflikten og målet med historien mer å gjøre med at Tiana reddet Naveen fra sin amfibiske skjebne.
Flokete (2010) inneholdt også en tradisjonell skurk i Mother Gothel, men en ikke-tradisjonell oppløsning. På filmens høydepunkt velger Rapunzel å ofre sin frihet til å redde livet til Flynn Rider etter at han er dødelig såret. Flynn velger på sin side å klippe håret til Rapunzel og ofre sitt eget liv i bytte for hennes frihet. Men øyeblikket som skiller filmen fra forgjengerne er like etter dette, da Flynn snubler mor Gothel og sender henne flyvende ut av vinduet. I stedet for å sitte ledig mens hennes overgrepende adopterte forelder faller i døden, flytter Rapunzel for å redde Gothel, noe som markerer første gang en Disney Princess faktisk har prøvd å redde skurken sin.
Det virkelige presset fremover begynte imidlertid i 2013 med utgivelsen av Frossen (Jeg vet, denne filmen har blitt snakket uendelig mye, men vær med meg her, for dette er viktig). Frossen har blitt hyllet, og med rette, for fokuset på bindingen mellom to søstre. Selv om det er et romantisk delplot, er det ikke aksen som handlingen dreier seg om.
hvor gammel er juni b jones
På samme måte som filmen undergraver den vanlige Disney -romantikken, klarer den også å undergrave den tradisjonelle Disney -skurken. Hans er personifiseringen av trusselen mot Anna og Elsa, men skurken hans er til syvende og sist ikke noe stort problem. Han fungerer mer som pådriver for ulike konflikter og som en håndgripelig trussel mot riket og våre heltinner. I likhet med Gaston eller Ratcliffe eller Huns, er han håndgripelig trussel, tingen våre helter faktisk kan slå når de i virkeligheten kjemper mot bigotry eller kolonialisme eller patriarkatet.
I virkeligheten kjemper ikke Anna og Elsa egentlig mot Hans. De bekjemper personlig frykt og hemmelighetene som har skadet forholdet deres. De kjemper også mot et samfunn som ser på Elsas krefter som en trussel, og Anna står i strid med denne troen. Disse abstrakte ideene, som jeg tidligere har diskutert, er slett ikke nye for Disney Princess -filmer, men måten de håndterer dem på er.
I filmens klimaks er det ingen massiv kamp, ingen fisticuffs eller kamp eller vett. Det er et løp mot klokken for å redde Annas liv, ikke fra Hans, men fra det Elsa ved et uhell gjorde mot søsteren. Og hvordan løses konflikten? Gjennom kjærlighet. Det er ostete som helvete, men det er også et stort skritt unna tradisjonell Disney -historiefortelling. Så hva mangler i denne historien? 'Skurken' blir faktisk aldri beseiret fordi Hans til slutt var uten betydning. Når Elsa først lærer å kontrollere sin makt, har Hans ikke lenger sin. Heltinnene vinner fordi de nekter å bøye seg til nivået hans.
Moana og fremtiden
Noe som bringer oss til Moana, den siste Disney Princess (kjole, dyrs sidekick) og kulminasjonen på nesten 80 år med Disney -evolusjon. Moana forteller historien om en ung jente som trosser faren og landsbyens største styre i et forsøk på å redde alle. Hun våger seg utover revet for å oppsøke halvguden Maui og returnere hjertet til Te Fiti, skapelsens gudinne. Moana bygger på eksemplet fra forgjengerne på interessante måter. For det første har hun ingen prins. Maui spiller absolutt den mannlige siden av dikotomien, men hans rolle er mer en motvillig guide og personlighetsfolie enn noe annet. Han er ikke en kjærlighetsinteresse.
I likhet med noen av hennes nyere forgjenger, legger Moana også ut med et oppdrag for å redde. Hun er der for å redde folket og øya hennes, ikke for å kjempe, selv om hun er villig til å vende den skremmende vulkanguden Te Ka ned for å nå målet sitt. Maui handler i mellomtiden helt om konfrontasjon. Han er en halvgud. I likhet med Disney -prinsene som kom foran ham, er kamp og erobring hvordan han skapte navnet sitt. Denne dikotomien er det som gjør filmens tredje akts vri så interessant.
I filmens høydepunkt klarer Moana, med Mauis hjelp, å komme seg forbi Te Ka til Te Fiti -øya, men da hun kommer dit oppdager hun at Te Fiti ikke er der. I stedet ser hun nærmere på Te Ka og oppdager at den ødeleggende kraften de kjemper mot er det som har blitt av skapelsesgudinnen når hjertet hennes blir revet fra henne. I det som sannsynligvis er det modigste trekket noen Disney Princess har gjort til dette punktet, når Moana ut til den skremmende lavaguden, uttrykker kjærlighet og forståelse, returnerer hjertet og Te Fiti sanne jeg.
Vi har blitt ledet til å tro, gjennom tradisjonene med Disney -historiefortelling, at det alltid er en åpenbar skurk, en dårlig fyr som vil bli beseiret til slutt. Moana utfordrer imidlertid helten og publikum til å se utover det åpenbare, å se kritisk på 'den dårlige fyren' og forstå dem, i stedet for å delta i blind konfrontasjon. Denne historien kunne egentlig bare bli fortalt nå, når vi som samfunn ser kritisk på historiene vi forteller barna våre - spesielt på de vi forteller unge jenter - og prøver å forstå ikke bare hva som resonerer med dem, men lærdommene vi ønsker å lære dem å håndtere konflikter.
Da disse historiene begynte, lærte de oss å vente på at prinsene våre skulle drepe dragene på dørene våre. Nå lærer de barna våre å åpne døren, møte dragen og drepe dem med vennlighet.
